Singermornig
YA HAN VUELTO
Ya tenemos el preestreno de la temporada 3ª de LO QUE SURJA ... para ver el resto de la temporada tendremos q esperar hasta Septiembre. Hay que ver este primer capitulo con Alaska y Luis Merlo
" Sin la música la vida sería un error " Nietzsche
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LO QUE SURJA / temporada 3ª
YA HAN VUELTO
Ya tenemos el preestreno de la temporada 3ª de LO QUE SURJA ... para ver el resto de la temporada tendremos q esperar hasta Septiembre. Hay que ver este primer capitulo con Alaska y Luis Merlo
Katharine Hepburn / La Gran Dama del cine
12-5-1907+29-6-2003
Se cumple un lustro de la desaparición de Katharine Hepburn la gran dama del teatro estadounidense y una genuina estrella de cine. La única en ganar 4 Oscars y una de las más nominadas con 12 candidaturas. Tan solo es superada por Meryl Streep con 14 nominaciones, pero mientras que Streep tiene candidaturas como mejor Actriz Secundaria, Hepburn consiguió todas como mejor Actriz Principal.
Una de las mujeres que con su personalidad y sus logros en la pantalla y los escenarios teatrales marcaron el perfil del siglo XX.
La única actriz de su generación que consiguió mantenerse en activo durante más de cinco décadas.
La actriz de la sonrisa con las comisuras hacia abajo, que lejos de expresar tristeza era intensa y hermosa.
Scott Berg dijo que lo que mas le impacto de ella durante los veinte años de amistad que compartieron, fueron las lecciones de vida que Kate impartía con generosidad y gran sentido del humor.
Las mejores peliculas de la historia...
HOLLYWOOD ELIGE SUS CIEN JOYAS
El instituto de Cine Americano AFI ha clasificado por género sus mejores películas
En el género de gangsters clasifico a EL PADRINO, UNO DE LOS NUESTROS, Y EL PADRINO II, como las indiscutibles ganadoras.
Le ha ganado Coppola la partida a Scorsese.
En el apartado de género epico la absoluta ganadora fue LAWRENCE DE ARABIA, pasando por delante de BEN HUR
La vencedora absoluta del genero de ciencia ficción fue para 2001:Una odisea en el espacio
El wenster más memorable según AFI es Centauros del desierto de J Ford .
CYD CHARISSE...
Una gran estrella del mundo de la danza y del cine, ha fallecido el miercoles 18 de Junio a los 86 años de edad.
La estrella de los musicales de Hollywood ; protagonizó la película "Cantando bajo la lluvia" junto a Gene Kelly, entre otras. La bailarina de Hollywood Cyd Charisse, famosa por su participación en dicha pelicula,murió ayer a causa de un ataque cardiaco , informó su portavoz.
Nacida en el estado norteamericano de Texas en Amarillo,el 8 de Marzo de 1921 con el nombre de Tula Ellice Finklea.
La estrella de los musicales de Hollywood ; protagonizó la película "Cantando bajo la lluvia" junto a Gene Kelly, entre otras. La bailarina de Hollywood Cyd Charisse, famosa por su participación en dicha pelicula,murió ayer a causa de un ataque cardiaco , informó su portavoz.
Nacida en el estado norteamericano de Texas en Amarillo,el 8 de Marzo de 1921 con el nombre de Tula Ellice Finklea.
Charisse bailó con el famoso Ballet Russe , hasta ser descubierta y contratada a mediados de los años 40 por los estudios cinematográficos MGM.
En 1946 conoció a Fred Astaire con el que bailó en la película del director Vincent Minnelli "Zigfield Follies".Al año siguiente obtuvo el rol protagonista en una película con Fred Astaire y, desde entonces, formó parte de casi todas las películas que moldearon la historia de los grandes musicales norteamericanos.
Pero la fama llegó en 1952 cuando bailó con Gene Kelly en "Cantando bajo la lluvia".
Tras el colapso del estudio, que vinculaba a las estrellas de forma permanente a la firma, Charisse actuó escasas veces en el cine durante los años 60. Ocasionalmente actuó en clubes nocturnos junto a su marido, el cantante Tony Martin, hoy de 95 años. En su primer matrimonio (desde 1939 hasta 1947) estuvo casada con el bailarín Nico Charisse. En 2001 entro en el mundo del Record Guinnes en el apartado de las piernas más valiosas, tenia aseguradas sus magnificas piernas en cinco millones de dolares, para protegerlas desde el año 1952, siendo las más largas de la meca del cine.
CHE / BENICIO DEL TORO
BENICIO DEL TORO
Es el último tipo duro de Hollywood, un indómito tras los pasos de Brando, Pacino o De Niro. Sin City, fue el penúltimo eslabón de una carrera perfecta. Un actor hecho a sí mismo con dos grandes pasiones: el arte y la literatura.Benicio del Toro nació en San Germán y creció en Santurce (Puerto Rico) en 1967, su madre murió de hepatitis crónica cuando él tenía nueve años y su niñez fue dura en un pueblecito de Pensilvania. Solitario, transformó su introspección en creatividad hasta convertirse en uno de los grandes actores de su generación y ganar un Oscar por Traffic en el apartado de mejor actor de reparto (2001).
Ganador del premio al mejor actor en Cannes 2008 por su interpretación magistral del mitico revolucionario argentino Ernesto "Che" Guevara
Ahora podemos verlo en la personificación del popular héroe en esta ambiciosa producción de Steven Soderbergh en la que también actúan la alemana Franka Potente, el actor de ascendencia peruana Benjamin Bratt, la inglesa Julia Ormond, el español Jordi Mollà, la colombiana Catalina Sandino Moreno, el portugués Joaquim De Almeida y el mexicano Demián Bichir como Fidel Castro. Toda una olimpiada interpretativa con representantes de las más diversas nacionalidades.
Estas fotos fueron tomadas en el Upper East Side de New York durante el rodaje en el edificio de las Naciones Unidas. Cosa curiosa: este edificio será remodelado por lo que se adelantó la filmación de algunas escenas para aprovechar la fachada original. La secuencia en cuestión es el momento de la visita del Che a New York en 1964, para dar un discurso ante la ONU.
The Argentine
CHE GUEVARA / BENICIO DEL TORO
CHE GUEVARA / BENICIO DEL TORO
Ahora podemos verlo en la personificación del popular héroe en esta ambiciosa producción de Steven Soderbergh en la que también actúan la alemana Franka Potente, el actor de ascendencia peruana Benjamin Bratt, la inglesa Julia Ormond, el español Jordi Mollà, la colombiana Catalina Sandino Moreno, el portugués Joaquim De Almeida y el mexicano Demián Bichir como Fidel Castro. Toda una olimpiada interpretativa con representantes de las más diversas nacionalidades.
Estas fotos fueron tomadas en el Upper East Side de New York durante el rodaje en el edificio de las Naciones Unidas. Cosa curiosa: este edificio será remodelado por lo que se adelantó la filmación de algunas escenas para aprovechar la fachada original. La secuencia en cuestión es el momento de la visita del Che a New York en 1964, para dar un discurso ante la ONU.
Pese a sus ojos hinchados, una de sus miradas cuenta mucho más que mil palabras de su hablar somnoliento.
http://es.wikipedia.org/wiki/Benicio_del_Toro
"Righteous Kill" ... PACINO/ DE NIRO
AL PACINO / ROBERT DE NIRO
Righteous Kill
Es desde luego uno de los proyectos más interesantes que hay dentro de cierto tipo de cine. Su interés no es otro que el de reunir a esos dos monstruos, de la interpretación, llamados Al Pacino y Robert De Niro.
Quienes compartirán película el uno al lado del otro, después de que en "El Padrino, parte II", ni se cruzaran, y en "Heat" fuera en un par de escenas solamente. Recordemos que ambos actores interpretan en esta nueva película a un par de policías que van a la caza de un asesino en serie,que tras cada asesinato deja un poema, mientras resuelven diferencias entre ellos.
Uno de los compañeros de trabajo de Pacino y De Niro es nada más y nada menos que Martin Scorsese, interpretando al Teniente Winnfield, que posiblemente interpreta al superior de la pareja de policías. Se desconoce si Scorsese tiene un papel extenso o no, pero su presencia hace todavía más interesante este proyecto. El resto del reparto está formado por Carla Gugino, 50 Cents y Donnie Wahlberg. Jon Avnet es el director que mueve la cámara. Está pendiente de titulo en España y se estrenara a lo largo de este año.
Righteous Kill
Es desde luego uno de los proyectos más interesantes que hay dentro de cierto tipo de cine. Su interés no es otro que el de reunir a esos dos monstruos, de la interpretación, llamados Al Pacino y Robert De Niro.
Quienes compartirán película el uno al lado del otro, después de que en "El Padrino, parte II", ni se cruzaran, y en "Heat" fuera en un par de escenas solamente. Recordemos que ambos actores interpretan en esta nueva película a un par de policías que van a la caza de un asesino en serie,que tras cada asesinato deja un poema, mientras resuelven diferencias entre ellos.
Uno de los compañeros de trabajo de Pacino y De Niro es nada más y nada menos que Martin Scorsese, interpretando al Teniente Winnfield, que posiblemente interpreta al superior de la pareja de policías. Se desconoce si Scorsese tiene un papel extenso o no, pero su presencia hace todavía más interesante este proyecto. El resto del reparto está formado por Carla Gugino, 50 Cents y Donnie Wahlberg. Jon Avnet es el director que mueve la cámara. Está pendiente de titulo en España y se estrenara a lo largo de este año.
Righteous Kill Trailer - Pacino, DeNiro,50 Cent
web oficial: http://www.righteouskill-themovie.com/
"La falacia de su enemistad con Robert De Niro"
El 21 de Octubre de 2005 la American Cinemateque hizo un homenaje a AL PACINO en el Beverly Hilton Hotel De Beverly Hills.Jimmy Caan, Jon Voight, Bruce Willis, Charlize Theron, Keanu Reeves, Andy García, Marisa Tomei y Goodman, le dedicarón sus elogios, y Colin Farrell. Meryl Streep y Robert De Niro grabarón sus comentarios.
ROBERT De NIRO: Dijo" Al, a lo largo de los años nos hemos arrebatado papeles el uno al otro. La gente ha tratado de compararnos, de enfrentarnos, de separarnos en lo personal. Francamente, yo nunca he notado el parecido. Yo soy claramente más alto, tengo más tipo de protagonista( guiño de complicidad). Hablando en serio, puede que seas el mejor actor de nuestra generación". Y enseguida añadió, con una gran sonrisa: Tal vez exceptuandome a mí.(Pacino emocionado le lanzo un beso y murmuro: "gracias Bobby".
Dino Risi...
El artifice de la comedia italiana
Dino Risi ha fallecido en Roma a los 91 años. Su carrera como director cinematográfico se centró en la comedia de costumbres o en la sátira social, elementos fundamentales del género más popular e interesante del cine italiano de posguerra, la llamada comedia a la italiana.
Entre sus 80 títulos pueden encontrarse algunas de las alhajas de este género: El signo de Venus (1955), con Sophia Loren; El viudo (1959) y Una vida difícil (1961), con Alberto Sordi; La escapada (1962), y Perfume de mujer (1974), con Vittorio Gassman, pero también sus episodios en Monstruos de hoy (1963) o Los complejos (1965), filmes que revelan con buen humor algunos vicios y virtudes de los italianos que vivían el boom económico de los años sesenta, aunque Risi también echó una ojeada a épocas pasadas, como en la magnífica La marcha sobre Roma (1963), donde unos pícaros, Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi, se afilian al partido de Mussolini más por hambre que por convencimiento.
Se decía de Dino Risi que era un termómetro de la sociedad italiana y que no surgían en ella elementos nuevos, costumbres o expresiones que él no recogiera en sus películas. Capacidad de observación que quizás le viniera de sus estudios de psiquiatría en la Universidad de Milán, carrera que cambió pronto por la del cine, escribiendo guiones para directores de la talla de Alberto Lattuada o Mario Monicelli. Tanto Ana (1951), melodrama con Silvana Mangano y Raf Vallone que obtuvo un gran éxito popular, como Totò y el rey de Roma (1951), una de las primeras excelentes películas de Monicelli, dan prueba de ello. Monicelli, considerado el padre de estas comedias, fue uno de aquellos jóvenes de talento que entendieron que el neorrealismo, que se basaba en la propia realidad, también podía inspirarse en las novelas picarescas o en el cine cómico norteamericano de la época muda, y comentar desde la farsa o la caricatura cuanto ocurría alrededor. Dino Risi aprendió de él, como tantos otros cineastas de aquel momento, Mario Monicelli, Steno, Pietro Germi...
Las primeras películas de Risi fueron documentales en los que dejó claras sus preocupaciones básicas: Barboni (1946), donde hablaba de los mendigos de Milán, y El suero de la verdad (1951), sobre extravagantes experimentos psiquiátricos. Su primer largometraje de éxito, Pobres pero bellos (1956), se centraba en las actitudes de unos jóvenes romanos ante el llamado Estado de bienestar, saga que continuó en Bellos pero pobres (1959) y Pobre y millonario (1959), componiendo con ellos un retrato pesimista sobre la nueva Italia, que culminó con La escapada (1962), estrenada en medio mundo, y aún hoy película de culto. En este sentido, quizás su obra maestra sea Una vida difícil (1961), crónica de la historia italiana desde la Segunda Guerra hasta el boom económico a través de las vicisitudes de un singular periodista de izquierdas muerto de hambre, genialmente interpretado por Alberto Sordi.
Entre los éxitos internacionales de Dino Risi hay que señalar Perfume de mujer (1974), narración del viaje de un iracundo militar ciego acompañado de un cadete, que fue candidata a dos Oscar, que finalmente no obtuvo, aunque sí premios en festivales, algunos de ellos para su actor principal Vittorio Gassman, y sobre la que Hollywood hizo una nueva versión en 1992, que esta vez le valió el Oscar a su protagonista, Al Pacino. Sin escamotear elogios a la versión norteamericana, la de Dino Risi fue insuperable. Maestro Risi, uno de los últimos supervivientes de aquel cine italiano que se hacía para el gran público, y que ahora es estudiado por historiadores y universidades como joyas de la cinematografía.
Arítmética Emocional...
Susan Sarandon
"Olvido más de lo que me gustaria. Quiero recordar; es importante hacerlo. Siempre y cuando se sepa perdonar" S. Sarandon 
Susan Sarandon (Nueva York, 1946) habla con igual desparpajo de cine, política y hasta de que su hijo adolescente preferiría tenerla más tiempo fuera de casa.
Presentó ayer en Madrid su nueva película Aritmética emocional, vestida de primavera y sin ocultar su simpatía por el nuevo candidato demócrata a la presidencia de Estados Unidos. "Creo que Obama es un hombre que ha viajado y conoce el mundo y, sobre todo, que está dispuesto a dialogar con la amenaza en lugar de enfrentarla con otra amenaza", aseguró.
La actriz encarna a Melanie, una mujer atrapada en la experiencia que vivió siendo niña en el campo de concentración de Drancy en París, durante la Segunda Guerra Mundial.
La ganadora del Oscar por Pena de muerte afirma que esta película, dirigida por el canadiense Paolo Barzman, no es sobre la guerra sino "sobre cómo escoges asumir la pérdida y recordar". El reparto fue determinante para Sarandon, que, entre sorbo y sorbo de coca-cola, confesó que está segura de que "es una historia que con malos actores fracasaría".
Afirma que usa un método intuitivo para crear sus personajes. ¿Cuál? Saber escuchar y crear empatías. Las mismas premisas, dice, de las que nace su activismo: "Si empatizas con una madre que ha perdido a su hijo, es muy difícil no hacerlo".
Sobre Hillary Clinton, Sarandon explicó que "no basta con ser mujer", y agregó: "A ella sólo le interesa la política y el poder". Y está claro que para esta comprometida activista no es suficiente.
Presentó ayer en Madrid su nueva película Aritmética emocional, vestida de primavera y sin ocultar su simpatía por el nuevo candidato demócrata a la presidencia de Estados Unidos. "Creo que Obama es un hombre que ha viajado y conoce el mundo y, sobre todo, que está dispuesto a dialogar con la amenaza en lugar de enfrentarla con otra amenaza", aseguró.
La actriz encarna a Melanie, una mujer atrapada en la experiencia que vivió siendo niña en el campo de concentración de Drancy en París, durante la Segunda Guerra Mundial.
La ganadora del Oscar por Pena de muerte afirma que esta película, dirigida por el canadiense Paolo Barzman, no es sobre la guerra sino "sobre cómo escoges asumir la pérdida y recordar". El reparto fue determinante para Sarandon, que, entre sorbo y sorbo de coca-cola, confesó que está segura de que "es una historia que con malos actores fracasaría".
Afirma que usa un método intuitivo para crear sus personajes. ¿Cuál? Saber escuchar y crear empatías. Las mismas premisas, dice, de las que nace su activismo: "Si empatizas con una madre que ha perdido a su hijo, es muy difícil no hacerlo".
Sobre Hillary Clinton, Sarandon explicó que "no basta con ser mujer", y agregó: "A ella sólo le interesa la política y el poder". Y está claro que para esta comprometida activista no es suficiente.
Los cineastas de la era Youtube...
La influencia de un director de cine "magistral"
John CassavetesLos cineastas de la era YouTube
Un grupo de directores intimistas revoluciona la industria 'indie' en EE UU - La crítica los etiqueta como la "generación háztelo tú mismo"
Un grupo de directores intimistas revoluciona la industria 'indie' en EE UU - La crítica los etiqueta como la "generación háztelo tú mismo"
Mutual Appreciation - Andrew Bujalski
Todo empezó como una broma. En un bar de Austin (Tejas), coincidiendo con la celebración del festival de cine independiente South by Southwest, un técnico de sonido bautizó al grupo como movimiento mumblecore (estilo farfullante). Han pasado más de tres años, y el término no sólo ha perdurado como etiqueta para este conjunto de realizadores estadounidenses en torno a la treintena, sino que se ha impuesto a otros calificativos acuñados por la crítica como "cineastas de cabecera", "slackavettes" (que sería algo así como "John Cassavetes en clave ligera" o "generación haztelo tu mismo" En cualquier caso, este puñado de jóvenes cineastas que rueda con escuálidos presupuestos y que apenas cuenta con distribución comercial ha logrado atraer la atención de los medios estadounidenses.
Todo empezó como una broma. En un bar de Austin (Tejas), coincidiendo con la celebración del festival de cine independiente South by Southwest, un técnico de sonido bautizó al grupo como movimiento mumblecore (estilo farfullante). Han pasado más de tres años, y el término no sólo ha perdurado como etiqueta para este conjunto de realizadores estadounidenses en torno a la treintena, sino que se ha impuesto a otros calificativos acuñados por la crítica como "cineastas de cabecera", "slackavettes" (que sería algo así como "John Cassavetes en clave ligera" o "generación haztelo tu mismo" En cualquier caso, este puñado de jóvenes cineastas que rueda con escuálidos presupuestos y que apenas cuenta con distribución comercial ha logrado atraer la atención de los medios estadounidenses.
Todo desde que Andrew Bujalski, el más laureado de todos ellos, mencionase el término mumblecore en una entrevista. Poco importó que tanto él como el resto de directores estuvieran en desacuerdo con el término; la etiqueta enmarcó a la primera generación independiente surgida en las dos últimas décadas al margen del festival de Sundance.
Y pese a que efectivamente el mumblecore puede calificarse más como una actitud que como un movimiento estético, es innegable que las películas de Andrew Bujalski, Joe Swanberg, Aaron Katz o los hermanos Duplass comparten algunos elementos: los ínfimos presupuestos (la mayoría rueda en vídeo digital), economía narrativa y argumentos centrados en protagonistas veinteañeros enfrentados a los dilemas que plantea la madurez. El otro vaso comunicante es su gusto por los diálogos naturalistas, cargados de muletillas y declamados de forma atropellada (de ahí lo de mumble, farfullar en inglés). "Prácticamente todo lo que dicen los actores se improvisa al momento. Nunca escribo los diálogos, aunque tenga pensado el desarrollo de las secuencias y de la trama", explica el prolífico Joe Swanberg, que desde su llamativa y sexualmente explícita ópera prima Kissing on the mouth (2005) ha dirigido otros tres largometrajes.ligera") o "generación háztelo tú mismo".
Puffy Chair (boring Death Cab replaced with sweet Journey)
Por su parte, el proceso de Jay y Mark Duplass a la hora de dirigir parece ser el mismo que cuando empezaron a rodar películas caseras con la videocámara que su padre les regaló en 1982. "Aunque trabajamos con un guión y una estructura cerrada, dejamos que los actores improvisen cuanto quieran, que jueguen dentro del marco de su personaje lo que les apetezca", asegura Mark, el mayor de los Duplass. "En realidad, es difícil establecer qué porcentaje del texto viene de la pura intuición de mis actores. Lo que sé es que si me interesara tener un control total sobre el guión y la película, me haría novelista", aclara Andrew Bujalski, cuyo filme Mutual appreciation (como el resto, aún sin distribución en España) fue calificado por The New York Times como uno de los títulos imprescindibles de 2006.
A este grupo tan heterogéneo le cohesiona Internet.
Y pese a que efectivamente el mumblecore puede calificarse más como una actitud que como un movimiento estético, es innegable que las películas de Andrew Bujalski, Joe Swanberg, Aaron Katz o los hermanos Duplass comparten algunos elementos: los ínfimos presupuestos (la mayoría rueda en vídeo digital), economía narrativa y argumentos centrados en protagonistas veinteañeros enfrentados a los dilemas que plantea la madurez. El otro vaso comunicante es su gusto por los diálogos naturalistas, cargados de muletillas y declamados de forma atropellada (de ahí lo de mumble, farfullar en inglés). "Prácticamente todo lo que dicen los actores se improvisa al momento. Nunca escribo los diálogos, aunque tenga pensado el desarrollo de las secuencias y de la trama", explica el prolífico Joe Swanberg, que desde su llamativa y sexualmente explícita ópera prima Kissing on the mouth (2005) ha dirigido otros tres largometrajes.ligera") o "generación háztelo tú mismo".
Puffy Chair (boring Death Cab replaced with sweet Journey)
Por su parte, el proceso de Jay y Mark Duplass a la hora de dirigir parece ser el mismo que cuando empezaron a rodar películas caseras con la videocámara que su padre les regaló en 1982. "Aunque trabajamos con un guión y una estructura cerrada, dejamos que los actores improvisen cuanto quieran, que jueguen dentro del marco de su personaje lo que les apetezca", asegura Mark, el mayor de los Duplass. "En realidad, es difícil establecer qué porcentaje del texto viene de la pura intuición de mis actores. Lo que sé es que si me interesara tener un control total sobre el guión y la película, me haría novelista", aclara Andrew Bujalski, cuyo filme Mutual appreciation (como el resto, aún sin distribución en España) fue calificado por The New York Times como uno de los títulos imprescindibles de 2006.
A este grupo tan heterogéneo le cohesiona Internet.
No sólo porque MySpace les sirva para promocionarse o como herramienta para mantener el contacto y compartir experiencias profesionales. Su estilo amateur converge con el voyeurismo propio de la era YouTube y muchos de ellos se sirven además de la Red para distribuir sus obras, como es el caso de Joe Swanberg o Michael Tully, que han firmado series como Young american bodies o Butterknife para su visionado exclusivo en el ordenador. "El mercado audiovisual ha sufrido una profunda transformación por Internet. Es al espectador al que le está llevando más tiempo adaptarse a las nuevas maneras", dice Swanberg, quien, al igual que sus compañeros de generación, no descarta dirigir películas en Hollywood. "Aun así, pienso seguir haciendo cosas para Internet, y quizá acabe siendo mi único terreno".
sabado 31 de Mayo
Un corto mexicano premiado en Cannes este año es similar a uno español de 2006
'La historia de un letrero' tiene el mismo argumento que el filme 'Una limosna por favor'
'La historia de un letrero' tiene el mismo argumento que el filme 'Una limosna por favor'
¿Plagio o...casualidad?
El cineasta español Francisco Cuenca no quiere entrar en polémica y quita importancia al hecho de que el corto ganador del certamen Short Film Corner del Festival de Cannes de este año, del mexicano Alonso A. Barreda,Historia de un letrero,cuente la misma historia que uno que filmó Cuenca en 2006: Una limosna, por favor, según publica el diario mexicano El Universal.
La cinta mexicana, de Alonso Álvarez Barreda y grabada en 2007 cuenta la historia de un hombre vagabundo ciego que pide limosna con poco éxito en un parque. Sostiene un letrero en el que pone "Ten compasión, soy ciego". Un viandante altera el mensaje del letrero y escribe: "Hoy es un hermoso día y no puedo verlo". El mendigo logra así más limosnas .
Un año antes, en 2006, el español Francisco Cuenca grabó la historia con exactamente el mismo argumento. "Pienso que él pudo haber tenido la misma iniciativa que yo, haberse documentado y haber leído la historia que circula en la red y que es anónimo", declara Cuenca al diario El Universal. Su cortometraje participó en el festival de cortos Festival NoTodo Film Fest.
Por su parte Alvarez asegura que no renunciará a su premio (un ordenador portátil y una cámara profesional: "Yo relaté siempre la historia, antes de filmarla, a mis amigos, a mis primos, a mis tíos, a mucha gente que estuvo involucrada, y ninguno de ellos, ni muchas otras personas me hablaron de que conocían la historia o la hubieran visto en Internet", declaró al noticiario de televisión Primero noticias, según cita el diario Milenio.
El cineasta español Francisco Cuenca no quiere entrar en polémica y quita importancia al hecho de que el corto ganador del certamen Short Film Corner del Festival de Cannes de este año, del mexicano Alonso A. Barreda,Historia de un letrero,cuente la misma historia que uno que filmó Cuenca en 2006: Una limosna, por favor, según publica el diario mexicano El Universal.
La cinta mexicana, de Alonso Álvarez Barreda y grabada en 2007 cuenta la historia de un hombre vagabundo ciego que pide limosna con poco éxito en un parque. Sostiene un letrero en el que pone "Ten compasión, soy ciego". Un viandante altera el mensaje del letrero y escribe: "Hoy es un hermoso día y no puedo verlo". El mendigo logra así más limosnas .
Un año antes, en 2006, el español Francisco Cuenca grabó la historia con exactamente el mismo argumento. "Pienso que él pudo haber tenido la misma iniciativa que yo, haberse documentado y haber leído la historia que circula en la red y que es anónimo", declara Cuenca al diario El Universal. Su cortometraje participó en el festival de cortos Festival NoTodo Film Fest.
Por su parte Alvarez asegura que no renunciará a su premio (un ordenador portátil y una cámara profesional: "Yo relaté siempre la historia, antes de filmarla, a mis amigos, a mis primos, a mis tíos, a mucha gente que estuvo involucrada, y ninguno de ellos, ni muchas otras personas me hablaron de que conocían la historia o la hubieran visto en Internet", declaró al noticiario de televisión Primero noticias, según cita el diario Milenio.
ELPAÍS.com - Madrid - 30/05/2008
Yo he visionado los dos y francamente me he quedado estupefacta, ignoraba que esa historia en la que se basó Fco Cuenca circulase por internet y fuese una historia anónima, la verdad es que yo soy asidua de este medio apenas unos meses...las palabras de Álvarez, sin restarle valor a su "corto" suenan "raras" por que si veis el corto de Cuenca es increíble como hasta el letrero es el mismo, con idénticas palabras, en fin, serán causalidades de la vida...si Alvarez Barreda dice haber relatado la historia a su familia anteriormente habrá que creerle, de todas formas el corto del mexicano me parece más conmovedor y mejor filmado, si la historia circulaba por internet, ambos han plagiado la tematica, además si era anonima tampoco importa demasiado, salvo que el español reconoce abiertamente que se inspiro en la historia anónima de internet y el mexicano no...ahora que si como él ha dicho recientemente no tenia ni ordenador ni siquiera una camara de fotos, dudo que haya podido leer la historia. La cuestión es que su corto es increible.
Solo una reflexión:
Como alguien que filma algo tan hermoso como el corto mexicano, que resulta tan entrañable, seria capaz de plagiar? y de ser cierto el plagio, me pregunto si verdaderamente ayudaria a un ciego una persona asi...ahi lo dejo.
viernes 23 de Mayo
El último viaje del juez Feng
Título V.O.: Mabei shang de fating
Año de producción: 2006
Distribuidora: Karma Films
Género: Drama
Clasificación: Todos los públicos
Estreno: 23 de mayo de 2008
Director: Jie Liu
Guión: Wang Lifu
Fotografía: Harrison Zhang
Intérpretes: Baotian Li (juez Feng), Yulai Lu (Ah-Luo), Yang Yaning (Tía Yang)
En la China actual, son muchos los tribunales ambulantes que recorren las poblaciones rurales para impartir justicia. El veterano juez Feng se encuentra inmerso en una de sus giras, esta vez por los sinuosos caminos de la provincia de Yunnan. Le acompañan su leal secretaria, un joven magistrado que se estrena en estas lides y un caballo con la insignia nacional que trasporta los expedientes y pertenencias. Al llegar, se darán cuenta que las tradiciones ancestrales chocan con las leyes estatales.
"El último viaje del juez Feng" es un melodrama que pretende criticar el sistema judicial chino, acusándolo de obviar los problemas de las miles de etnias que conviven en el país.
Su director, el debutante Jie Liu, conoció la historia durante un viaje al sudoeste de China y decidió documentarse para hacer una película sincera sobre la realidad que se encuentran los llamados "tribunales ambulantes" en su intento por impartir justicia. El resultado es una historia sorprendente, con algún toque humorístico y simbólico, que superó la censura previa de su país y se alzó con el Premio Horizontes a la Mejor Película Revelación en el Festival de Venecia 2006.
Gran parte del elenco, está compuesto por actores no profesionales que dan vida a campesinos y representantes de diferentes etnias regidas por leyes ancestrales. Los encargados de hacer cumplir las leyes del Estado son el veterano actor Li Baotian, protagonista de "La joya de Shanghai", y el jovencísimo Lu Yulai (Kong que).
Liu Jie se decidió por la profesión de cineasta a raíz del visionado de "Tierra amarilla" de Chen Kaige, que es una suerte de oficiosa declaración de intenciones que condensaba los postulados esenciales del la revolución que la Quinta Generación estaba empezando a gestar justo en ese momento. La modernidad cinematográfica china tiempo ha que enterró en el baúl del olvido las líneas maestras conceptuales (las formales aún colean por más que algunos directores olvidadizos renieguen tozudamente de tan ilustre pasado) de aquel movimiento, por eso la intrusión en la maraña heterogénea de nuevas luminarias del cine chino de un tipo como Liu Jie, tan abiertamente nostálgico y en deuda con los esquemas identitarios de aquella edad dorada del cine local, viene a ser algo así como una audacia.
En un tiempo en el que los grandes cineastas chinos, Jia Zhngke, Wang Bing..., se esmeran en la disección del presente, de la herida social que acarrea la estajanovista modernización industrializada del país y, por consiguiente, acotan el foco de la reflexión a los estragos de las políticas de desmantelaje exprés del pasado que atañen al proletariado, al mundo urbano, o al paisaje desestructurado, que alguien se atreva a hincar el diente a los problemas del mundo rural tiene miga. El campo, verdadero motor y signo de especificidad de la Revolución China, cotiza a la baja en tanto que objeto susceptible de explotación dramática, pero más allá de las deudas cristalinas, directas o colaterales, con Chen, con Zhang Yimou o Tian Zhuangzhuang, Liu Jie no habla del espacio exterior, habla de la China contemporánea, la de las minorías étnicas y las aldeas remotas, las de esa China aislada del curso del progreso que no encuentra obstáculos para la vertebración social a través de la cultura budista ola subsistencia a través de modelos de economía natural.
Desde una perspectiva naturalista, desde el rigor de la mirada desnuda, semidocumental y privada de artificios, Liu inmortaliza la China desconocida escenificando el ocaso de la vieja China, aquella del todo por y para el pueblo, cuyos supervivientes sobreviven como reliquias obsoletas que el sistema olvidó restaurar. Liu denuncia la exclusión de esa otra parte del país que ya no cuenta para el Partido Comunista, demasiado ocupado en la transformación, con visos de ecocidio, del horizonte socioeconómico a velocidad terminal. "El último viaje del juez Feng" es una hermosa miniatura (además de la crónica sutil de un romance elíptico otoñal e imposible), que supura humanidad por todos sus poros, a colación de esa China en la que por no pasar ni pasó el progreso.
El último viaje del juez Feng
Título V.O.: Mabei shang de fating
Año de producción: 2006
Distribuidora: Karma Films
Género: Drama
Clasificación: Todos los públicos
Estreno: 23 de mayo de 2008
Director: Jie Liu
Guión: Wang Lifu
Fotografía: Harrison Zhang
Intérpretes: Baotian Li (juez Feng), Yulai Lu (Ah-Luo), Yang Yaning (Tía Yang)
En la China actual, son muchos los tribunales ambulantes que recorren las poblaciones rurales para impartir justicia. El veterano juez Feng se encuentra inmerso en una de sus giras, esta vez por los sinuosos caminos de la provincia de Yunnan. Le acompañan su leal secretaria, un joven magistrado que se estrena en estas lides y un caballo con la insignia nacional que trasporta los expedientes y pertenencias. Al llegar, se darán cuenta que las tradiciones ancestrales chocan con las leyes estatales.
"El último viaje del juez Feng" es un melodrama que pretende criticar el sistema judicial chino, acusándolo de obviar los problemas de las miles de etnias que conviven en el país.
Su director, el debutante Jie Liu, conoció la historia durante un viaje al sudoeste de China y decidió documentarse para hacer una película sincera sobre la realidad que se encuentran los llamados "tribunales ambulantes" en su intento por impartir justicia. El resultado es una historia sorprendente, con algún toque humorístico y simbólico, que superó la censura previa de su país y se alzó con el Premio Horizontes a la Mejor Película Revelación en el Festival de Venecia 2006.
Gran parte del elenco, está compuesto por actores no profesionales que dan vida a campesinos y representantes de diferentes etnias regidas por leyes ancestrales. Los encargados de hacer cumplir las leyes del Estado son el veterano actor Li Baotian, protagonista de "La joya de Shanghai", y el jovencísimo Lu Yulai (Kong que).
Liu Jie se decidió por la profesión de cineasta a raíz del visionado de "Tierra amarilla" de Chen Kaige, que es una suerte de oficiosa declaración de intenciones que condensaba los postulados esenciales del la revolución que la Quinta Generación estaba empezando a gestar justo en ese momento. La modernidad cinematográfica china tiempo ha que enterró en el baúl del olvido las líneas maestras conceptuales (las formales aún colean por más que algunos directores olvidadizos renieguen tozudamente de tan ilustre pasado) de aquel movimiento, por eso la intrusión en la maraña heterogénea de nuevas luminarias del cine chino de un tipo como Liu Jie, tan abiertamente nostálgico y en deuda con los esquemas identitarios de aquella edad dorada del cine local, viene a ser algo así como una audacia.
En un tiempo en el que los grandes cineastas chinos, Jia Zhngke, Wang Bing..., se esmeran en la disección del presente, de la herida social que acarrea la estajanovista modernización industrializada del país y, por consiguiente, acotan el foco de la reflexión a los estragos de las políticas de desmantelaje exprés del pasado que atañen al proletariado, al mundo urbano, o al paisaje desestructurado, que alguien se atreva a hincar el diente a los problemas del mundo rural tiene miga. El campo, verdadero motor y signo de especificidad de la Revolución China, cotiza a la baja en tanto que objeto susceptible de explotación dramática, pero más allá de las deudas cristalinas, directas o colaterales, con Chen, con Zhang Yimou o Tian Zhuangzhuang, Liu Jie no habla del espacio exterior, habla de la China contemporánea, la de las minorías étnicas y las aldeas remotas, las de esa China aislada del curso del progreso que no encuentra obstáculos para la vertebración social a través de la cultura budista ola subsistencia a través de modelos de economía natural.
Desde una perspectiva naturalista, desde el rigor de la mirada desnuda, semidocumental y privada de artificios, Liu inmortaliza la China desconocida escenificando el ocaso de la vieja China, aquella del todo por y para el pueblo, cuyos supervivientes sobreviven como reliquias obsoletas que el sistema olvidó restaurar. Liu denuncia la exclusión de esa otra parte del país que ya no cuenta para el Partido Comunista, demasiado ocupado en la transformación, con visos de ecocidio, del horizonte socioeconómico a velocidad terminal. "El último viaje del juez Feng" es una hermosa miniatura (además de la crónica sutil de un romance elíptico otoñal e imposible), que supura humanidad por todos sus poros, a colación de esa China en la que por no pasar ni pasó el progreso.
Marlene Dietrich
se conservará bella para siempre gracias a la cera de Berlín
El museo de cera Madame Tussauds tiene nueva sede en Berlín.
Marlene Dietrich y Romy Schneider, 'anfitrionas' de lujo.
Abrirá en julio; cada figura ha costado unos 200.000 euros.
El museo de cera de Madame Tussauds abrirá este verano su nueva sede de Berlín con una muestra de 75 figuras de famosos como Einstein, Freud y Bertolt Brecht, así como una espectacular anfitriona: Marlene Dietrich, quien por fin cumplirá su sueño de conservarse bella para siempre.
El museo de cera de Berlín abrirá sus puertas en julio.
Envejecer fue el gran miedo de Marlene Dietrich, icono de la elegancia en el cine de la década de los treinta del siglo XX, quien se recluyó los últimos años de su vida en su apartamento de París para que el gran público la recordara joven y divina.
El museo de cera Madame Tussauds tiene nueva sede en Berlín.
Marlene Dietrich y Romy Schneider, 'anfitrionas' de lujo.
Abrirá en julio; cada figura ha costado unos 200.000 euros.
El museo de cera de Madame Tussauds abrirá este verano su nueva sede de Berlín con una muestra de 75 figuras de famosos como Einstein, Freud y Bertolt Brecht, así como una espectacular anfitriona: Marlene Dietrich, quien por fin cumplirá su sueño de conservarse bella para siempre.
El museo de cera de Berlín abrirá sus puertas en julio.
Ahora, y gracias al "milagro" de la cera, su perfecta figura será expuesta a partir de julio en la nueva sede del museo Madame Tussauds, situada en la mítica avenida berlinesa Unter den Linden, con lo que la diva ofrecerá siempre su mejor aspecto con maquillaje, peluquería y vestuario incluidos. Junto a ella, compartirá protagonismo en el museo otra célebre del cine de habla alemana como la austríaca Romy Schneider, quien una vez más se viste de emperatriz "Sisí".
Lujos aparte, el Madame Tussauds de Berlín ofrecerá la posibilidad de que el visitante se tumbe en un diván para que una réplica de Sigmund Freud lo psicoanalice y será sometido a un test de coeficiente intelectual de un encerado Albert Einstein.
La nueva atracción turística de la capital alemana será inaugurada a comienzos del próximo mes de julio, según indicó en una rueda de prensa la responsable del museo, Susanne Keller, quien señaló que unos 10,5 millones de euros se han invertido en la nueva sede de 2.500 metros cuadrados de superficie.Keller indicó que cada figura de cera está valorada en 200.000 euros y que la institución no ha pagado a estos personajes para inmortalizarlos en cera
EFE. 29.05.2008 - 08:31h
jueves 29 de Mayo
THE HAPENNING / EL INCIDENTE
Dirección: M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan
Reparto: Mark Wahlberg, Zooey Deschanel, John Leguizamo, Spencer Breslin, Betty Buckley, Tony Devon, Victoria Clark, Jeremy Strong, Frank Collison, Ashlyn Sanchez
Fotografía: Tak Fujimoto
Montaje: Conrad Buff IV
Música: James Newton Howard
Arte: Jeannine Claudia Oppewall
Productores: Barry Mendel, Sam Mercer, M. Night Shyamalan
Productores ejecutivos:
Productora: 20th Century Fox, Blinding Edge Pictures, UTV Motion Pictures
Distribución: Hispano Foxfilm
Dirección: M. Night Shyamalan
Guión: M. Night Shyamalan
Reparto: Mark Wahlberg, Zooey Deschanel, John Leguizamo, Spencer Breslin, Betty Buckley, Tony Devon, Victoria Clark, Jeremy Strong, Frank Collison, Ashlyn Sanchez
Fotografía: Tak Fujimoto
Montaje: Conrad Buff IV
Música: James Newton Howard
Arte: Jeannine Claudia Oppewall
Productores: Barry Mendel, Sam Mercer, M. Night Shyamalan
Productores ejecutivos:
Productora: 20th Century Fox, Blinding Edge Pictures, UTV Motion Pictures
Distribución: Hispano Foxfilm
El director estadounidense M. Night Shyamalan posa para los fotógrafos junto al actor estadounidense Mark Wahlberg.
M. Night Shyamalan estuvo en Madrid presentando 'El incidente'.
También acudió su protagonista, Mark Wahlberg.
La película se estrena en España el próximo 13 de junio.M. Night Shyamalan, uno de los gurús del cine de suspense gracias a cintas como El sexto sentido y Señales, lanza su nuevo filme, El incidente, un thriller apocalíptico protagonizado por Mark Wahlberg con el que ha querido hacer "la mejor película de serie B de todos los tiempos".
El cineasta indio se pregunta por las fuerzas que escapan a la razón
Para ello, el director estadounidense de origen indio ha escrito una historia de tintes "gore" sobre amenazas de la naturaleza y fenómenos inexplicables, en la que una familia huye por los campos de Pensilvania con el fin de no verse afectada por una extraña fuerza, que inhabilita el más básico de los instintos: el de supervivencia. "Me apasionan los misterios que no tienen explicación, como un artículo que leí sobre la desaparición real de las abejas en EEUU y que me inspiró para el filme", ha explicado Shyamalan en la presentación, para añadir: "Todo el mundo tiene una teoría al respecto, que si el cambio climático, que si un virus, pero, ¿por qué no reconocer que hay fuerzas que se escapan a nuestro entendimiento?".El contrapunto racional de la película, que se estrena el 13 de junio, lo pondrá el profesor de ciencias Elliot Moore (interpretado por Mark Wahlberg), quien debe proteger a su mujer (Zooey Deschanel) y a la hija (Ashlyn Sanchez) de un amigo (John Leguizamo) a base precisamente de teorías, es decir de deducir causas y predecir comportamientos del misterioso fenómeno.Para ese papel, sobre el que recae el filme, Shyamanan admite que siempre pensó en su amigo Wahlberg, un actor que "mezcla la imagen de tipo duro con una gran ingenuidad y ternura", y que era la primera vez que se enfrentaba a un reto así, más acostumbrado a papeles rudos.
"Soy una contradicción ambulante y quizás porque llevo mis experiencias personales a la pantalla Night haya visto ese contraste", ha explicado Wahlberg, quien ha admitido que ha sido complicado meterme en la piel de alguien "tan inocente", sobre todo después de su paso por la cárcel cuando era adolescente. Durante las semanas previas al rodaje, ambos hablaron mucho sobre los pilares en los que se asentaba el argumento, es decir, sobre lo inexplicable, la fuerza de la naturaleza, la devaluación del valor de la inocencia o el papel del amor como único modo de contrarrestar la oscuridad.
EFE. 27.05.2008
PEDRO ALMODÓVAR
Almodovar estará rodando en Lanzarote durante dos semanas su nueva pelicula.
Las primeras impresiones del director de cine Pedro Almodóvar sobre Los abrazos rotos fue colgada (23-3-08) por el cineasta en su blog, donde define esta historia de amor loco con aires del cine negro del los 50, como una cinta "de personajes", protagonizada por Penélope Cruz, Blanca Portillo, José Luis Gómez y Lluis Homar. La acción de Los abrazos rotos transcurre en dos épocas: los años 1994 y 2008 y, aunque la primer versión la concluyó en octubre y en enero comenzó la preproducción, Almodóvar sigue limando su sexta versión.
"Escribir un guión consiste básicamente en armar férreamente su estructura interna, y reescribir los elementos que lo cubren todas las veces que puedas hasta que empiece el rodaje, incluso durante el rodaje hay que seguir reescribiéndolo", afirma. Luego pasa a comentar que fueron diciembre y enero los meses en que le dio "más caña a la reescritura hasta conocer a fondo la historia que quiero contar". Ahora le toca, dice "destilar, caracterizar, enriquecer, matizar, sintetizar, visualizar...etc. Un no parar".
"Me gustan -dice- las películas en las que los personajes hablan, o escuchan; y en ésta ocurren muchas cosas, de hecho es el guión con más trama de los que he escrito hasta ahora. Pero hay muchos momentos en que los personajes se expresan a través de la palabra, y del silencio. Es una película de personajes, de actores".
Influencias
Almodovar dice estar entusiasmado con su reparto
-Penélope Cruz, Blanca Portillo, José Luis Gómez y Lluis Homar-, con quienes lleva dos meses de trabajo de mesa, de ensayos. "Ellos son lo que más seguridad me da a la hora de levantar y darle vida a esta historia", afirma. Como ya hizo durante el rodaje de Volver, Almodóvar utiliza su página web para comunicarse con la prensa y con su público y así, en su blog le gusta hablar de aquello que le influyó a la hora de realizar su trabajo.
Recuerda cómo la misma semana en que acabó aquella primera versión, a finales de octubre, falleció la actriz Deborah Kerr: "Tardé en apreciar su talento y su singularidad", cuando vivía su adolescencia "prisionero del glamour y la desmesura de las estrellas de Hollywood", marcado por "la austeridad manchega". Pero ya en la edad adulta descubrió su "complejidad, riqueza, intensidad y sentido del humor" que "habitaban bajo su aparente discreción".
El día que leyó la noticia de su muerte, le vino a la mente aquel monólogo "de prodigioso encanto y sutileza" que la actriz declama en La noche de la Iguana, de John Huston. En Los abrazos rotos también "habrá un monólogo, el que se marca al final de la narración el personaje interpretado por Blanca Portillo". "En cine, cuando un personaje ha enganchado nuestra atención y decide contarnos algo íntimo, algo que no ha confesado a nadie, no hay nada mejor que dejar que el actor actúe. No existe ningún efecto que pueda compararse a la intensidad del rostro de un actor"
Almodóvar, quien afirma detestar las confesiones en la vida real, disfruta en cambio al escribirlas para sus personajes, y sobre todo dirigir luego a los actores en esas escenas. "En todas mis películas hay un momento límite en que uno de los personajes principales, o los dos, mantienen un monólogo confesional. Y Los abrazos rotos no será una excepción".
Sydney Pollack fallece a los 73 años
Pollack, en una fotografía de archivo, a su llegada al Palais des Festivals en Cannes, Francia. (EFE)
Murió el lunes en su casa víctima de un cáncer.
Ganó dos Oscar por 'Memorias de África'.
FOTOGALERÍA: Filmografía de Sydney Pollack.
PERFIL: Sydney Pollack, el cineasta polifacético.
El actor y director estadounidense Sydney Pollack ha fallecido a los 73 años, según The New York Times. Director, productor y, en ocasiones, actor, ha firmado películas que ya forman parte de la historia del cine como Tootsie, Memorias de África y recientemente La intérprete.
Murió el lunes en su casa a causa de un cáncer según ha informado un portavoz de la familia. Pollack ganó dos Oscar, al mejor director y mejor película por Memorias de África en 1985. Fue también conocido por su faceta de actor en películas como Michael Clayton y Eyes Wide Shut.
Tras unos años alejado de la gran pantalla reapareció en 1995 con Sabrina y sus amores', adaptación de la célebre película que Billy Wilder rodó en la década de los 50, y cuatro años después Caprichos del destino.
Primeros reconocimientos
Después de un irregular comienzo como director de cine, fue nominado al Oscar en 1969 por Danzad, danzad malditos, también premiada en los festivales de Cannes, Bruselas, y Belgrado. Realizó varias películas protagonizadas por Robert Redford, entre ellas Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972), con la que obtuvo un gran éxito de crítica que se repetiría en el filme Tal como éramos (1973).
Sus últimos proyectos fueron 'The Reader' y 'Margaret', películas que está previsto que se estrenen este año .
En la década de 1980 destacó por Ausencia de malicia (1981), con Paul Newman, y Tootsie (1982), con Dustin Hoffman, película que obtuvo 10 nominaciones al Oscar. Otras películas de su filmografía son Yakuza (1974), El jinete eléctrico (1979), La tapadera (1993) y Caprichos del destino (1999). Como actor ha intervenido en un gran número de producciones, como la propia Tootsie, Maridos y mujeres (1992, de Woody Allen) o Eyes Wide Shut (1999, de Stanley Kubrick).
Pollack, distinguido en 2002 por el Festival de Cine de Locarno (Suiza) con un Leopardo de Oro Honorífico a su trayectoria, combinó la realización con la labor de producción para otros directores, sobre todo en los últimos tiempos.
Últimos proyectos
Sus últimos proyectos fueron The Reader y Margaret, películas que está previsto que se estrenen este año, en el que optó a una estatuilla por su participación en la producción de Michael Clayton (2007) -en la que también actuó-, nominada a mejor película en la pasada gala de los Oscar. Made of Honor, filme que está actualmente en la cartelera de EE UU, pasará a la historia como su última aparición en la pantalla por su papel de Thomas Bailey. Este cineasta y productor estadounidense nació en la localidad de Lafayette el 1 de julio de 1935, en el Estado de Indiana, estaba casado y tuvo tres hijos, uno de ellos falleció en 1993 en un accidente aéreo.
20MINUTOS.ES. 27.05.2008 - 04:31h
Pollack, en una fotografía de archivo, a su llegada al Palais des Festivals en Cannes, Francia. (EFE)Murió el lunes en su casa víctima de un cáncer.
Ganó dos Oscar por 'Memorias de África'.
FOTOGALERÍA: Filmografía de Sydney Pollack.
PERFIL: Sydney Pollack, el cineasta polifacético.
El actor y director estadounidense Sydney Pollack ha fallecido a los 73 años, según The New York Times. Director, productor y, en ocasiones, actor, ha firmado películas que ya forman parte de la historia del cine como Tootsie, Memorias de África y recientemente La intérprete.
Murió el lunes en su casa a causa de un cáncer según ha informado un portavoz de la familia. Pollack ganó dos Oscar, al mejor director y mejor película por Memorias de África en 1985. Fue también conocido por su faceta de actor en películas como Michael Clayton y Eyes Wide Shut.
Tras unos años alejado de la gran pantalla reapareció en 1995 con Sabrina y sus amores', adaptación de la célebre película que Billy Wilder rodó en la década de los 50, y cuatro años después Caprichos del destino.
Primeros reconocimientos
Después de un irregular comienzo como director de cine, fue nominado al Oscar en 1969 por Danzad, danzad malditos, también premiada en los festivales de Cannes, Bruselas, y Belgrado. Realizó varias películas protagonizadas por Robert Redford, entre ellas Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972), con la que obtuvo un gran éxito de crítica que se repetiría en el filme Tal como éramos (1973).
Sus últimos proyectos fueron 'The Reader' y 'Margaret', películas que está previsto que se estrenen este año .
En la década de 1980 destacó por Ausencia de malicia (1981), con Paul Newman, y Tootsie (1982), con Dustin Hoffman, película que obtuvo 10 nominaciones al Oscar. Otras películas de su filmografía son Yakuza (1974), El jinete eléctrico (1979), La tapadera (1993) y Caprichos del destino (1999). Como actor ha intervenido en un gran número de producciones, como la propia Tootsie, Maridos y mujeres (1992, de Woody Allen) o Eyes Wide Shut (1999, de Stanley Kubrick).
Pollack, distinguido en 2002 por el Festival de Cine de Locarno (Suiza) con un Leopardo de Oro Honorífico a su trayectoria, combinó la realización con la labor de producción para otros directores, sobre todo en los últimos tiempos.
Últimos proyectos
Sus últimos proyectos fueron The Reader y Margaret, películas que está previsto que se estrenen este año, en el que optó a una estatuilla por su participación en la producción de Michael Clayton (2007) -en la que también actuó-, nominada a mejor película en la pasada gala de los Oscar. Made of Honor, filme que está actualmente en la cartelera de EE UU, pasará a la historia como su última aparición en la pantalla por su papel de Thomas Bailey. Este cineasta y productor estadounidense nació en la localidad de Lafayette el 1 de julio de 1935, en el Estado de Indiana, estaba casado y tuvo tres hijos, uno de ellos falleció en 1993 en un accidente aéreo.
20MINUTOS.ES. 27.05.2008 - 04:31h
Descanse en paz un hombre que nos ha regalado momentos cinematográficos únicos...
FESTIVAL DE CANNES 2008
lunes 26 de Mayo
Sean Penn -presidente del Jurado de Cannes 2008-, el actor Robert De Niro y el director Barry Levinson, antes de la ceremonia de entrega de premios.
El director Laurent Cantet, posando con la Palma de Oro a la mejor película por Entre les Murs (FOTO: REUTERS)
Benicio del Toro
Benicio De Toro, premio al mejor actor en Cannes (2008)es felicitado por el presidente del jurado, Sean Penn. (FOTO: REUTERS)
El puertorriqueño Benicio del Toro, mejor actor por la biografía del 'Che' en el Festival de cine de Cannes 2008.
Los directores belgas Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne posando el 25 de mayo de 2008, tras recibir el premio al mejor guión por su filme "Le Silence de Lorna" (
El silencio de Lorna).
HISTORIA DE UN LETRERO
Premio Especial Cannes 2008
“Un maestro de una de las escuelas de cine, me dijo que no servía para esto, que no tenía talento, que mejor fuera abogado u otra cosa. Me rechazaron de las dos escuelas y me regresé muy frustrado''(A Alvarez Barreda)
Dirigido y Producido por
Alonso Alvarez Barreda.
Sinopsis
Historia de un Letrero, trata del encuentro casual que existe entre un joven exitoso, y un viejo ciego, que pide limosna, el como unos segundos pueden cambiar la vida de alguien, y a la vez, enseñarnos una valiosa lección. Alonso Álvarez Barreda, es mexicano de Tampico, no es conocido en el ámbito cinematográfico, pero su cortometraje Historia de un letrero ganó esta semana el premio Special Cannes 2008 otorgado en el marco del Short Film Corner. Seis minutos que a mí, en lo personal, me dejaron estupefacta, un film conmovedor. No pudo recoger su premio personalmente porque no tenia dinero para su desplazamiento. Ha obtenido el reconocimiento de la critica internacional, y por supuesto el premio del Festival, consistente en un ordenador portátil y una cámara profesional, ambas necesarias para él, ya que no las tiene debido a sus dificultades económicas.
“Un maestro de una de las escuelas de cine, me dijo que no servía para esto, que no tenía talento, que mejor fuera abogado u otra cosa. Me rechazaron de las dos escuelas y me regresé muy frustrado''(A Alvarez Barreda)
Dirigido y Producido por
Alonso Alvarez Barreda.
Sinopsis
Historia de un Letrero, trata del encuentro casual que existe entre un joven exitoso, y un viejo ciego, que pide limosna, el como unos segundos pueden cambiar la vida de alguien, y a la vez, enseñarnos una valiosa lección. Alonso Álvarez Barreda, es mexicano de Tampico, no es conocido en el ámbito cinematográfico, pero su cortometraje Historia de un letrero ganó esta semana el premio Special Cannes 2008 otorgado en el marco del Short Film Corner. Seis minutos que a mí, en lo personal, me dejaron estupefacta, un film conmovedor. No pudo recoger su premio personalmente porque no tenia dinero para su desplazamiento. Ha obtenido el reconocimiento de la critica internacional, y por supuesto el premio del Festival, consistente en un ordenador portátil y una cámara profesional, ambas necesarias para él, ya que no las tiene debido a sus dificultades económicas.
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